CIRCULART 2020: EL MERCADO VIRTUAL DE LA MÚSICA SERÁ ABIERTO AL PÚBLICO GRACIAS A LA VIRTUALIDAD
Música Iberoamericana para el mundo
Entre el 12 y el 15 de noviembre de 2020 se realizará la versión número XI de Circulart, el mercado de las músicas de Iberoamérica que conecta a músicos y
bandas con programadores, productores, agencias, sellos discográficos y
profesionales de la música permitiendo conectar, circular, y distribuir la música de Iberoamérica por el mundo entero; gracias al apoyo de Comfama, El Ministerio de
Cultura y la Alcaldía de Medellín.
Este evento, que se ha convertido en la gran plataforma de visibilidad e intercambio de la música de iberoamérica para el mundo, en su versión virtual podrá ser visitada por todo aquel que quiera conocer lo que está ocurriendo en la esfera musical actual y escuchar las nuevas tendencias de la música de esta parte del hemisferio, asistiendo de manera gratuita y abierta al público a su feria en 2 D, sus más de 55 muestras artísticas transmitidas a través de la virtualidad y participando de las conversaciones, diálogos y talleres cuya programación estará disponible en www.circulart.org, una web en la que adicionalmente quienes quieran participar pueden inscribirse de manera gratuita.
Resolver lo pendiente
“La música ha sido pionera en la digitalización. Hace mucho tiempo que los artistas y bandas dejaron de basar su sostenibilidad en la venta de discos que en su mayoría pueden ser descargados de plataformas virtuales. Sin embargo,
recientemente la sostenibilidad estaba muy basada en los espectáculos, en la
presencialidad y en la música en vivo. El pasar de una economía del contacto a la
restricción de contacto físico en pandemia, supone varios retos en los entornos
digitales. Retos que tienen que ver con la equidad, el pago justo, las posibilidades
de monetización de la música, la reactivación económica con dimensión humana. El 90% de los contenidos de Spotify, por ejemplo, son producidos por el 10% de los artistas. Surge entonces la pregunta por qué va a pasar con las músicas
tradicionales, o por manifestaciones musicales que no han logrado colonizar esos entornos digitales” expresa Sergio Arbeláez Director Académico de Circulart. Respondiendo a estas reflexiones, los espacios de conversación, diálogos y talleres, convocan a personalidades como la cantante colombiana Adriana Lucía que recientemente ha liderado movimientos sociales importantes en pro de la vida, y de la paz en Colombia, quien será entrevistada por Santiago Rivas. Entre la programación académica también se encuentran espacios como los paneles de conversación en convenio con la asociación de festivales europeos We Are Europe, alrededor de temas como la Diversidad Territorial en Un Mundo Hiperconectado, La tecnología en Festivales y como esta puede apoyar a la industria en vivo, la Industria Post Pandemia y oportunidades de negocios entre Canadá y Colombia.
Circulart Conecta
En un formato híbrido, desde la bodega de Comfama, esta innovadora versión de
Circulart presentará su programación Circulart Conecta, un espacio desde el cual se transmitirá en vivo algunas conversaciones y entrevistas con aliados, participantes de las muestras musicales e invitados académicos.
Continuamos #TodosJuntos para #QueLaMúsicaNoDejeDeCirculart
Circulart en cifras
● 145 artistas, 17 agencias, 50 muestras artísticas, 170 programadores,
curadores de festivales internacionales y profesionales de la música de 55
países; se reunirán en la edición virtual de Circulart 2020 que se desarrollará
desde Medellín – Colombia entre el 12 y el 15 de noviembre de 2020.
● El 75% de la programación entre muestras artísticas, conversaciones,
diálogos, talleres, feria de la música, encuentros de negocios y conexiones
Circulart; estará abierta al público que gratuitamente podrá disfrutar de este
encuentro iberoamericano de la música desde la comodidad de sus hogares
inscribiéndose a través de www.circulart.org.
● Grupos, músicos y agencias de Colombia, Canadá, Chile, Ecuador,
Alemania, Panamá, Venezuela, Brasil, España, Argentina, Paraguay, Bélgica,
Costa Rica, República Dominicana, México, Venezuela y Perú ya confirmaron
su participación en la edición virtual de Circulart.
● La mujeres en la industria de la música, la humanización de lo digital en la
esfera musical, la necesidad de una reactivación social en la post pandemia,
la conexión internacional y los intercambios culturales, son algunos de los
ejes de reflexión que en las conversaciones y discusiones académicas,
desarrollará este año el más grande mercado musical de América Latina.
Vans, la marca original de deportes de acción e ícono mundial de la autoexpresión creativa, tiene el orgullo de lanzar la competición Vans Musicians Wanted #VansMusiciansWanted a nivel mundial, por primera vez desde su creación en 2015. El Musicians Wanted de Vans es el programa de música global de la marca que tiene como objetivo ofrecer una plataforma para los músicos que están empezando. El evento evaluará los nuevos talentos “Off The Wall” de todos los géneros. Para su estreno mundial en 2020, cada región del mundo ofrecerá a los artistas no descubiertos la oportunidad de obtener una exposición internacional y la posibilidad de compartir el escenario con el artista ganador del Grammy Anderson .Paak. Entre los premios adicionales se incluyen productos Vans, equipo Fender, distribución global de música, lista de reproducción en Spotify, Apple Music ¡y mucho más!
Creado originalmente en Vans Musicians de la región del pacífico asiático en 2015, el concurso de música Vans Musicians Wanted empezó como un programa para permitir directamente a los músicos locales no descubiertos presentar su música original y ser descubiertos a nivel nacional. Con más de 7000 artistas que han entrado en el programa desde su creación, Vans tiene orgullo de lanzar el programa a nivel mundial para dar la bienvenida a artistas de los Estados Unidos, Canadá, México, América Central y del Sur, Europa y regiones del pacífico asiático para tener la oportunidad de compartir su música original con el mundo. Los artistas pueden presentar su música original desde el 28 de septiembre del 2020 hasta el 11 de octubre en www.vans.com.pe/pages/musicianswanted
La Vans convierte la plataforma global 2020 en una serie de competiciones verdaderamente digitales y abiertas a todos los músicos y géneros musicales. La marca continúa curando y construyendo experiencias optimizadas para lo digital; permitiendo a los talentos potenciales de cualquier lugar la oportunidad de participar a través de la sumisión digital de la música y los conciertos virtuales a escala mundial.
Con la presencia de jueces invitados especiales como parte del proceso de selección, Vans Musicians Wanted da la bienvenida a J.I.D y Bohan Phoenix, artistas que aparecen en la última campaña de la marca Vans, ‘THIS IS OFF THE WALL’, la cantante y compositora europea Nilüfer Yanya, y el artista ganador de un Grammy, Anderson .Paak. Tres artistas serán elegidos para presentarse en el Concierto Virtual Vans Musicians Wanted , que se celebrará este diciembre. El ganador del gran premio será seleccionado para recibir productos Vans, Equipo Fender, distribución global de música, lista de reproducción de Spotify y Apple Music y la oportunidad de compartir el escenario con Anderson .Paak como artista de apertura en 2021.
El concurso Musicians Wanted de Vans es una plataforma global inclusiva que permite la autoexpresión creativa por medio de la música y proporciona un camino directo para que los artistas no descubiertos se destaquen y obtengan exposición global. Para presentar tu música original ahora y leer las reglas oficiales del concurso, visita vans.com.pe/pages/musicianswanted .
EMBAJADORES PERÚ, VANS MUSICIANS WANTED
Alejandro y Maria Laura. Dúo, banda, pareja, co-autores. Desde el 2009 han publicado tres discos y recientemente algunos singles como Babas, Hasta donde mande el cuerpo, Sana sana y La Princesa y el Río. En el 2019 celebraron 10 años de carrera en el Gran Teatro Nacional y fueron parte del cartel del Festival Estéreo Picnic en Colombia. Actualmente trabajan como productores en su propio estudio componiendo para un cuarto álbum y colaborando con artistas emergentes. Ganadores del Premio Canteras a “Mejor canción”, Premio Luces, como “Grupo del año” en 2014 por el diario El Comercio, Premio Generarock como “Mejor disco del año” en 2015 y Premio Ibermúsicas de composición en 2016.
Diazepunk. Con 20 años en los escenarios es una de las bandas más representativas del punk rock de Lima. La banda tiene 5 álbumes de estudio y más de una veintena de singles de los cuales destaca “NID”, su tema más conocido y considerado por muchos uno de los clásicos modernos del rock peruano. Su última producción, POP reúne a sus integrantes originales Gustavo “Gutty” Makino y Take Nakankari en las guitarras, Mauricio “Mapache” Llona en la batería, Javi Landa en el bajo y Carlos García en la voz. En el 2007 su disco “Ciudad Indiferente” es reconocido como Disco del Año con el premio Luces del diario El Comercio. Como parte de la celebración por los 20 años de la banda se estrenará próximamente el disco en vivo “Diazepunk, 20 años”.
La Dirección Desconcentrada de Cultura de Arequipa, la Municipalidad Provincial de Arequipa y la Casa de la Cultura de Arequipa, Invitan a la Conferencia / Audioseción : Experiencia sonora Prehispánica.
A llevarse a cabo el viernes 5 de julio, a las 19:00 h. En la Casa de la Cultura de Arequipa. (Rivero 512) . INGRESO LIBRE
La Antara y otros objetos sonoros es el punto de partida del conversatorio, taller y experiencia sonora obtenidos mediante una selección de objetos musicales con más de 3000 años de antigüedad, procedentes de la colección de museos de La Costa Central del Perú, particularmente relacionados a rituales y ceremonias. Desde esta experiencia expandida pretendemos relacionar el acercamiento arqueológico, la música, el cuerpo iconográfico y la etnohistoria bajo un concepto de paisajes sonoros y recreación ambiental por medio de los sonidos y objetos sonoros. Ronald Sánches. Dedicado a la elaboración de piezas sonoras y arquitectura de sonidos para Museos, Galerías de arte, Producción de Música para Televisión y Radio ha desarrollado un sonido diseño, donde permite generar ambientes y sonoridad que acompañan significativas muestras y Exposiciones.
Entre la música e instrumentos tradicionales a su trabajo se le denomina “Folclore Cósmico o Folclore ambiental” Su labor ha formado parte de importantes muestras en Museos en distintas partes, es así como han desarrollado un sonido actual fusionando instrumentos prehispánicos con la música contemporánea, llevando nuestra música y su interés de ser partícipes de una gesta cultural del Perú al mundo.
Joey Cape aparece cruzando la pista. Del parking hacia la parte del pantano, avanza en direccción al local donde en un par de horas tocará Lagwagon. Lleva un pantalón y una casaca negros y un gorrito de estos que usan los pescadores en invierno, también negro. Tiene 52 años. Fumas, Joey, pregunto, no, no, ya no puedo fumar, y me muestra unas caramelos de nicotina que lleva en el bolsillo. Nos apartamos un toque hacia el bosque para conversar.
Joey, toda tu vida haciendo música sin parar. Para ti: ¿qué es la buena musica?
No sé cómo responder esta pregunta. Es algo diferente para cada persona. Pienso que la musica está hecha para inspirarnos individualmente y, en el mejor de los escenarios, para unirnos. La música es un lenguaje universal, sabes, todos podemos hablar el lenguaje de la musica, eso es algo lindo. De todas formas, cada uno tiene diferente gusto, y respondemos de diferentes maneras, incluso hay gente que no disfruta la música, pero eso es más raro…
¿Existe una diferencia entre buenas producciones y buena música?
Eso es también un concepto complicado, porque alguna gente realmente le gusta lo low fidelity thing, sabes… y esto se ha convertido en una especie de arte y estética en el proceso de hacer un disco que suena kind of lo-fi, y pues ese parece ser el objetivo artístico de mucha gente. A mí realmente eso no me importa. Para mí todo tiene que ver con la canción, la melodía, puedo escuchar algo que ha sido grabado en una diminuta machine tape y si me gusta la melodía, quiero seguir escuchándola.
Te despierta una emoción
La música es una cosa muy emocional, pero depende de cada uno, así que…
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¿Cómo ves el punk rock como género y visión del mundo hoy?
Depende sobre qué parte del mundo hablemos, su evolución y desarrollo tiene diversas caras. En algunos lugares va de arriba abajo, y en otros desapareció por un momento, pero luego volvió. Yo hablo desde mi perspectiva, desde mi subjetividad, porque hay muchos tipos de sonido punk rock y ha existido desde hace mucho tiempo… el punk rock… difícil… significa muchas cosas, difícil decirlo… esta es mi respuesta profunda. El punk rock en mi vida es una cosa consistente, un sosten constante. Es una buena cosa eso.
¿Qué recuerdas de Perú?
La ultima que estuvimos en Perú tocamos en un barrio medio alejado… con los parlantes ahi colgando… esa noche fue… bueno estuvo ahí, pero recuerdo que la pasé super bien cuando tuve un solo-tour, en un bar…
La Noche de Barranco
Sí. Esa noche fue una linda experiencia. Creo que si vas a ir a algún lugar, más alla de tocar un show, hay que experimentarlo un poco. Aunque no he pasado tanto tiempo en Perú, espero algún día hacerlo, quiero ir a Perú como turista, y tú? ¿Qué haces acá si eres de Perú?
Vivo en Luxemburgo
Me gusta Luxemburgo. Es pequeño el país, ¿verdad? Te cuento: casi muero en Luxemburgo. Tuve algo así como una insuficiencia hepática en tour y me tuvieron que llevar al hospital. Eso fue hace como tres años. Estuvimos con NOFX y Alkaline Trio, tocamos allí y, ese amigo de allí, ese que ves en la puerta del bus, me llevó al hospital, me salvó y pasé todo el dia allí haciendo exámenes.
Joe Raposo (bajista de Lagwagon) sale del bus rumbo a la parte posterior del local. Lleva un plato de plástico azul con rastros de mayonesa y ketchup y dice que tiene trabajo por hacer. Luce como si recién hubiera acabado de almorzar, siendo ahora mismo casi las 7 de la noche.
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Sobre la creatividad, Joey. ¿Cuándo ves una canción? ¿Cuándo ves una melodía? ¿Cómo funciona eso en ti?
It´s all about cambios, about verys. La mayoría de las veces escucho una melodía primero y la tengo aquí en la cabeza, usualmente cuando estoy manejando, lo cual es medio extraño, una parte de mi cabeza que ha estado acostumbrada a manejar abre mi mente a la creatividad. No es que maneje muy rápido, manejo como un viejito, bueno vivo en una ciudad, no se puede manejar rápido, hay mucho tráfico…
Así te llega la melodía…
Sí, la melodia, normalmente la escucho y el proceso arranca desde ahí, se queda conmigo, siempre vuelve. Luego siento que puedo haber algo allí y empiezo a buscar la guitarra o el piano y trabajo en ello. Las letras vienen después.
¿Creas siempre la música primero?
Sí, siempre es primero la musica. Escucho composiciones, melodías, armonías y se quedan en mi cabeza…para muchos songwriters no es así, primero hacen la letra, pero no para mí, siempre llegan al final, trabajo mucho en ellas, es la parte más dura.
El texto en tu música tiene un lugar fundamental
Es lo que más trabajo me toma. Trabajo mucho el texto. La cancion viene natural, viene fácil, pero para las letras necesito pensar, trabajar muy duro, porque trato de que sean lo mejor que pueden llegar a ser. De tanto en tanto, podría escribir una cancion de una sentada, pero la mayoría de ellas necesitan semanas, realmente intento que lleguen a ser lo mejor posible.
Parece el trabajo de un escritor
Totalmente. Es menos un poema de lo que es un ensayo, asi es más o menos mi proceso. Cuando me iba haciendo viejo entendí también que la poesía se volvía más lo mío y en mis canciones.
¿Lees mucha literatura?
Sí! He leido poesía, pero en realidad más novelas y no-ficción.
La Combi de Franklin lleva consigo a Sector M, un programa radial que lo ha acompañado toda la vida. La Combi de Franklin se siente más relacionada con el rock de Woodstock y la movida hippie de los 70, y lo está. Se autogestiona para llegar a distintos rincones del país, recoge su música, nuestra música, y la transmite al mundo a través de este programa que nació como un podcast hace 20 años. Todo autogestionado. Desde ahí Franklin se ha encargado de difundir a los artistas nacionales al mundo. Empezó como un proyecto personal y fue creciendo. Pasó del podcast a la radio online. La gran demanda por servicios de la red y la sucesiva aparición de cabinas de internet le dieron la oportunidad de posicionarse y hacerse de un público. Muchos lo siguen desde aquellas épocas hasta hoy.
Franklin cuenta que cuando Sergio Galliani llevó su famoso programa “Radio Insomnio” del internet a la televisión fue a visitarlo. En el canal, el áctor lo recibió amablemente. Compartieron experiencias y, fruto de este encuentro, contactó con la Radio Cadena Sónica, una iniciativa de radio online latina en la que Franklin participó algunos años difundiendo la música peruana. Hasta hace poco su programa de radio Sector M se transmitía también por Radio San Borja, pero lamentablemente ya no más.
La combi itinerante de radio online fue un sueño. Y es emocionante haberlo conseguido. Con la combi ha conocido bandas con propuestas potentes y algunas con trayectorias de décadas que no entran a las radios ni al circuito centralista de Lima. Nos recomienda La Merca (la banda, no se confunda) de Arequipa, 3 punktas de Puno, Yo estuven en Japón y Dargo de Trujillo, Radiocassete y Mermelada Pesada de Tarapoto entre muchas otras bandas. “A donde voy encuentro un proyecto interesante, mucho más interesante de lo que te imaginas”, narra Franklin, “siempre me sorprendo no solo de la música, sino también de los paisajes de nuestro país. La gente nos recibe con cariño. Algunos reconocen a la combi, se toman fotos, son curiosos y preguntan cosas”.
LA RUTA
Pero no es fácil siempre estar en ruta y manejar una combi por todo el Perú. Un auspiciador mantiene a la combi. No ha tenido una vida fácil, tanto así que una vez se quedó varada y tuvo que regresar a Lima en camión.
Fue ahí cuando las bandas a las que siempre ha apoyado desinteresadamente tuvieron la oportunidad de devolverle el favor y se portaron a la altura. Hicieron un concierto profondos para poder mandar de vuelta la querida Combi a Lima a que la reparen. Franklin recuerda ese momento con mucho cariño.
La escena peruana es así, solidaria y agradecida.
La mayoría de veces al menos.
En ocasiones algunas bandas que logran escalar a grandes festivales y reciben el cariño de los medios de comunicación, se olvidan dónde empezaron y quién les dio una mano cuando solo los locos que hacían podcasts o programas de radio online prestaban atención a su trabajo. “Me ha sido más fácil entrevistar a Claudio Narea de Los Prisioneros que a algunos músicos locales”, narra. Pero la mezquindad no frena a esta Combi apasionada de la música, de la radio y del Perú. Nosotros en lacentral.pe queremos agradecerle por su trabajo y desearle la mejor de las suertes a la combi rockera de Sector M. 20 años no es poco, es toda una trayectoria y como muchas iniciativas en este país merece mayor reconocimiento del que recibe.
La música es un viaje.
El Dato: Sigue las transmisiones en vivo de Sector M de Lunes a Jueves a las 10pm. Franklin y la Combi ya calientan motores para viajar a sus próximos destinos: Cuzco, Moyobamba, Oxapampa, etc. Festivales, bandas, conciertos, paisajes y mucho más esperan su llegada.
El día de hoy, Fernando Castro, integrante de La Nueva Invasión y productor de Perú Independiente emitió un comunicado en el que informa su alejamiento de la banda y, temporalmente, de la producción de la Feria. Además hace un mea culpa y una reflexión de cara a las acusaciones contra Luis Antonio.
A continuación reproducimos el comunicado:
“Un futuro diferente requiere medidas radicales es por eso que decido dar un paso al costado de La Nueva Invasión, nada de lo que se diga desde esa plataforma me representa en adelante. Es un momento muy difícil para mi por todo lo que esta decisión involucra. Y comprendo la indignación por como ha quedado demostrado lo normalizada que tenemos la violencia
Espero que con esto se genere un poco de respeto y que cesen los ataques en contra de las mujeres. Hoy tengo un análisis profundo, revisando cada uno de mis actos. Asumo y reconozco mis errores, pido disculpas por ellos al no reaccionar adecuadamente ante las dos denuncias por agresión contra el ex-vocalista de La Nueva invasión, pido disculpas también por el comunicado inicial de la banda que sólo ayudó a generar una mayor indignación.
El día sábado en una situación de mucha ansiedad y presión como organizador del festival y parte de LNI tomamos una mala decisión empujados por obligaciones legales. En este panorama exigimos que esta presentación no podía darse si no era para pedir disculpas y asumir responsabilidades. Al no escuchar estas disculpas, Carol organizadora del festival toma acción y detiene el concierto porque el agresor una vez más violenta el espacio de confianza.
Ante esto asumo el grave error de permitir que la banda se presente junto al ex-vocalista. Fue una ofensa para las afectadas y me hago cargo, por lo que voy a tomar un receso como parte de la organización del festival. Además me lleva a revisar mis reacciones ante este tipo de situaciones. Quiero dejar en claro mi repudio ante todo tipo de violencia desde mi lugar como hombre, compañero, padre, artista y gestor cultural. No estuve a la altura de las circunstancias, estoy trabajando para cambiar este tipo de reacciones y mejorar como persona, el camino es largo y estoy en ese proceso. Disculpas nuevamente.”
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Me hubiese gustado escribir una crónica distinta. Tal vez resaltar como es que Perú Independiente creció de una pequeña feria con unas decenas de puestos en El Local de Miraflores a ser un Mega Festival que ocupó toda la extensión de los Domos de San Miguel. Quienes fuimos testigos de ese crecimiento vimos también cómo, desde sus inicios, se planteó como un espacio para nuevas bandas limeñas y mantuvo su propuesta hasta estos días. Hasta que nos enteramos de las denuncias por violencia machista contra el cantante de La Nueva Invasión.
Luis Antonio Vicente Farromeque, acusado de violencia machista
Sin embargo, cualquier cosa que se pueda decir sobre la última edición de Perú Independiente queda opacada por los sucesos que lo precedieron. No una, sino dos acusaciones de agresión física y psicológica fueron realizadas contra Luis Antonio Vicente, vocalista de La Nueva Invasión. La noticia nos cayó a muchos como un baldazo de agua fría no solo a los seguidores de la banda sino a los que respetábamos su mensaje lleno de crítica social y que apelaba a otras formas de amor.
Quienes nos encontramos dentro de esta escena, quienes crecimos en ella tenemos que mantener una posición firme contra la violencia de género. Todos los integrantes de esta escena somos responsables de generar espacios seguros que permitan a víctimas de violencia poder denunciar a sus agresores sin recibir el maltrato de los fans que los siguen, sin ser juzgadas por “haber esperado tanto tiempo”, sin que se le pidan pruebas, sin ser revictimizadas. Sé que en nuestro contexto actual es difícil creer solo en la palabra de una persona; sin embargo, pretender callar las voces que acusen a nuestros “ídolos” solo llevará a que todas las demás se mantengan en silencio.
El sábado en Perú Independiente se respiraba un ambiente caldeado, el mensaje contradictorio de la productora al dejarlos presentarse -luego de haber anunciado que no sería así- cayó mal en parte del público que estuvo esa noche, pero no en la mayoría que los aclamaba. Muchos de los seguidores de la banda afirman que “se deben de escuchar ambas versiones” y La Nueva Invasión desaprovechó ese espacio para poder pronunciarse, para poder dejar en claro que su mensaje sobre el amor era real y no mera estrategia, que estaban en contra de la violencia contra la mujer y sobre todo que era el momento de realizar una autorreflexión.
Lamentablemente, el mensaje que les dejaron a sus seguidores es que “La Nueva ya llegó” y que siga el vacilón. No hicieron esfuerzos por calmar las aguas, frenar las agresiones verbales contra el pequeño grupo de feministas que apareció con carteles, permitir que por casi media hora se les insulte y se les arranche los carteles. “Ellas actuaron violentamente lanzando vasos al escenario” afirmaban muchos, porque claro si se lo hacen a tu ídolo musical es violencia, pero si es contra Daniela Darcourt es solo una anécdota. El resto de los integrantes de la banda “salieron a dar la cara” deslindando de Luis Antonio pero sin dejar en clara cuál es su posición en este escenario, un escueto mensaje en redes sociales al día siguiente no es suficiente para responder las preguntas que tenemos muchos de los seguidores.
Que esta situación sirva también para analizarnos, para que, como hombres dentro de la escena, hagamos una reflexión sobre nuestras actitudes, nuestros discursos, nuestros privilegios. Tenemos la obligación de ser frontales contra la violencia hacía la mujer no solo desde textos y manifiestos sino de forma activa. Pensemos en cómo, desde nuestra posición, debemos de generar espacios seguros, dejemos de hacernos la vista a un lado frente a los hechos de violencia que suceden en nuestros círculos y empecemos a escuchar denuncias que alguna vez fueron solo rumores que no quisimos atender por ser personas cercanas.
Debemos también, ya como colectivo de músicos, productores y público encontrar la forma de combatir discursos de odio, los cuales ya están presentes en gran parte del público que sigue a bandas independientes.
Es hora de dejar el floro de ser “aliados” a un lado porque en muchos casos es mera hipocresía.
Saludamos también a las bandas que decidieron manifestarse y ponerse del lado de las víctimas, a Selvámonos que actuó de forma más inmediata, sabemos que no fue fácil, pero seamos más enfáticos y claros.
“El rock ya no está de moda” dijo Leslie Shaw. Me he tomado el tiempo de leer comentarios y opiniones y lo primero que debo decir es que de ninguna manera la opinión de Leslie o de quien sea es razón para responderle con insultos machistas, sexistas y misóginos.
En la experiencia con el punk melódico local, escena de la que llevo 20 años formando parte, no ha sido distinto… el “Chikipunk” existía bajo la superficie. Cuando el género llega a la radio peruana llega con bandas de afuera: Blink 182, Sum41, The Ataris, previamente de Green Day y Offspring y posteriormente My Chemical Romance, Jimmy Eat World, etc. En una radio pequeña de Lima sonaba de vez en cuando Wirito de 6 Voltios por lo simpática que le resultaba la letra a algunos dj´s. Cuando todo eso llega el género ya se difundía en las tiendas de Galerías Brasil y otros espacios rockeros construidos décadas atrás, también en mp3 por Ares o Emule, en los foros de internet, entre las comunas o páginas como 23punk.
El punk melódico seguía siendo de lo que menos se escuchaba en el país. Por el lado comercial sonaba Líbido, algunos temas de Pedro Suarez Vertiz, La Liga del Sueño, Mar de Copas, Zen y varias bandas más disputaban lo que la radio dejaba todavía para artistas locales.
El rock es una tradición, una subcultura, no una moda. Es rebelde y prefiere siempre sostenerse en su trabajo antes que besar zapatos para lograr ser el ripio en el catálogo de alguna transnacional.
No es la primera vez que alguien se sostiene del género de moda para anunciar la muerte del rock ¿Y ahora dónde están? Nacionales e internacionales coquetean con el género urbano. Larga es la lista de artistas peruanos que mutan según lo que esté de moda y tienen una carrera mediática basada en cualquier cosa menos su música… otros ni la mediática logran y viven de interpretar éxitos ajenos de antaño. Que un género esté de moda no significa que quien lo practique se hará famoso.
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Hay que mirar bien dónde está parado uno antes de gritar que “el rock ha pasado de moda” pues muchos de los rockeros o ex rockeros que se han alineado con Leslie están haciendo carrera solamente en espacios rockeros y por más que coquetean a lo más mainstream sin ninguna vergüenza, en los espacios del género Urbano… no aparecen.
No sorprende entonces que Leslie algún tiempo atrás haya querido hacer rock también, ahora que las corporaciones tienen el ojo en otros ritmos es probable que ella sienta la necesidad de reubicarse con los comandos corporativos de la música. Es probable también que anunciar la muerte del rock sea solo una estrategia para ponerse en boca de alguien.
Ojalá que ahora que va de la mano de Sony si le ligue …y pronto, antes que sea ella quien pase de moda.
Mientras tanto un playlist con rock que sigue sonando en todo el Perú
La música es de muy poco interés para el Estado peruano. Para que reciba apoyo de la empresa privada debe pasar por unos filtros extrañísimos, algunos de clase, otros de discurso, que muchas veces vuelven a las piezas inocuas, tontas, uniformes y aburridas. Las radios por lo general están estancadas en el tiempo y solo a veces abren espacios gruesos como un hilo a propuestas nuevas. Lo hacen por obligación. Para el músico peruano difundir su trabajo es una proeza casi imposible en su objetivo de hacerse de un público. Todo por la escena, llegó el momento de difundir.
El panorama es triste, es verdad. Sin embargo, sí existen iniciativas independientes y valientes que difunden el trabajo de músicos locales. La Central.pe conversó con tres de estas y quisimos saber más sobre sus interesantes y creativas propuestas
Pogos Peruanos Hace unos días se viralizó un video en el que la muy reconocida banda peruana Dolores Delirio se sube a un bus, una combi, a comentar sobre los problemas mencionados y cómo el músico los afronta. “Somos la banda Dolores Delirio, tenemos 25 años haciendo música aquí en el Perú, batallando con la falta de interés de los medios y, sin embargo, sosteniendo por medio siglo un proyecto musical”, dice el cantante Ricardo Brenneisen sosteniendo su guitarra en medio de pasajeros que suben y bajan en la alocada Lima.
Previamente, Fabriccio Saravia, creador de Pogos peruanos, había “calentado al público”. Así, comentó su iniciativa y explicó todo el universo musical que nos estamos perdiendo por el poco aprecio que el Estado y la empresa privada le tienen a nuestros músicos.
Empezó aproximadamente en Diciembre del 2018 sin saber muy bien qué contenido hacer en sus cuentas de Instagram y Facebook. Hacerse de un público se le hizo difícil, probó con memes de música, luego con memes de cualquier cosa a ver si alguien enganchaba… pero nada… o muy poco. Las cosas cambiaron cuando un día se sube a la línea de buses 10E y empezó a hablar de por qué cree que no se escucha música local en su país, de porque nuestras radios están repletas de músicos extranjeros habiendo tanto talento local, talento que él se había dado el trabajo de ir conociendo y ordenando en una hoja de Excel.
Volantes repartidos en los buses por Pogos Peruanos
600 músicos de distintos géneros había logrado organizar en su hoja de cálculo, con una app para elegir aleatoriamente dividió los nombres en 4 listas e imprimió volantes para repartir a la gente que lo escuchaba en las combis en su nueva rutina diaria
Fabriccio reparte los volantes en el bus todas las mañanas rumbo a su trabajo, el restaurant de su padre. Mientras lo hace comenta a los pasajeros de su indignación por el espaldarazo que reciben los músicos peruanos que él tanto aprecia.
“Viva el Perú” gritó un señor mayor cuando terminó uno de sus discursos. Otros jóvenes se ponían el celular en la cara para no tener que mirarlo a los ojos, “No gracias” le decían a sus volantes… se ponían los audífonos a escuchar quien sabe qué, mientras en la radio del bus una orquesta peruana de salsa interpreta los covers de los únicos temas autorizados a sonar hace 30 años.
Hoy su página tiene alrededor de 3000 personas y Fabriccio sueña con crecer, hacer eventos y -quien sabe- empezar pronto una revolución cultural
Pierre on the rocks
Son pocas las páginas de rock peruano con esfuerzos interesantes. No es fácil hacer contenido de calidad cuando lo único que aparece en el presupuesto es el entusiasmo. Por ello, un gran número están llenas de copy/paste de notas de prensa o entrevistas que además de pobres en contenido se ven y suenan mal. Así es imposible conseguir muchos seguidores.
Esto ha generado que los productores de conciertos vean con malos ojos a muchas iniciativas independientes por difundir el rock local y no suelen darles acceso o incluso responderles los correos y mensajes. En este problema, Pierre Cárdenas, productor y conductor de Pierre on the rocks, encontró una traba complicada que casi lo hace desistir. Pero no lo hizo.
Pierre es hincha a muerte del rock nacional. Llegó de Huancayo en el 2010 cuando la mayoría de sus bandas favoritas de la escena “chikipunk” empezaban a desaparecer. Ahí empieza su fijación con el registro. ¿Qué pasará con las bandas de acá a 10 años? ¿Dónde estaremos nosotros? ¿Dónde estaré yo? El dilema existencial de Pierre dispara su entusiasmo y decide empezar a registrar conciertos primero con una cámara de fotos y luego con una cámara de video.
A veces acompañado de su hermana, estudiante de cine, pasea por los conciertos buscando respuesta a sus preguntas. ¿Cómo se verán todos estos chicos y chicas que vienen a los conciertos de acá a 20 años? Se acercó a ellos para entrevistarlos. Así empezó a hacerse de un público fiel y lleno de fanáticos del rock peruano de distintas partes del país. A Pierre on the rocks lo siguen no solo desde Lima sino también desde Tacna, Trujillo, Arequipa, y más ciudades que disfrutan de sus videos.
Los asistentes ya lo reconocen, y se emocionan cuando les toca ser entrevistados. Es un logro bastante emocionante para un proyecto que tiene alrededor de dos años de vida. “Me gusta tanto el rock nacional que voy a ir a muchos conciertos, así acumularé contenido”, pensó. Su estrategia para ganar seguidores fue hacer videos “tipo karaoke” con canciones de bandas peruanas. Se “colgaba” de canciones de Mar de Copas, Líbido, Amén, etc., y la gente visitaba su página para cantar desde sus casas.
La combinación de estos dos productos llevó a que un día, mediante un amigo, lo invitaran a cubrir el “Chikipunk Fest”. Bien acreditado como prensa pudo tener un primer acercamiento a las bandas y ese fue un primer hito en su trabajo de difusión. Con el tiempo se ha hecho un nombre, los artistas lo reconocen y lo invitan a cubrir sus conciertos, los productores de conciertos responden sus mensajes y ojalá pronto los productores de festivales también
Sawá Sesiones En un país centralista como el Perú, la situación siempre se agrava para quienes no viven en la capital. Para bandas de otras ciudades es muy difícil hacerse una carrera sin migrar. Los medios aunque más pequeños son casi igual de esquivos con las propuesta locales salvo en los casos de géneros específicos y relacionados con la tradición.
En Cajamarca, Kiara Lozano y Jose Alberto Osorio buscaban qué hacer después de terminar la carrera de Comunicación Audiovisual en la universidad allá por el año 2013. Encontraron en la escena musical cajamarquina de la que eran parte una necesidad urgente de registro visual y sonoro de calidad. Nuevamente la necesidad de documentar su cultura y su tiempo. Este encargo, que debería ser del Estado, recae en las manos de estos dos motivados jóvenes con el objetivo de difundir la cultura musical cajamarquina. Se trata de una tarea tan enorme como importante.
La primera banda que grabaron fue una banda de rock cristiana. Se juntaron con ella para escuchar las ideas de los músicos durante la pre producción. Aterrizaron todo eso y luego por medio de amistades o tocando timbres lograron los recursos necesarios para la producción.
Cada sesión toma aproximadamente unas 8 horas dependiendo de su complejidad. Kiara y Jose Alberto no cobran aún por su trabajo en Sawá, tampoco los compañeros que se han ido sumando al proyecto. El sonidista y los equipos corren por cuenta de la banda. Las bandas con integrantes adultos y con mejor economía son las que pueden pagar los entre 500 y 600 soles que cuestan el sonidista y los equipos. ¿Cuántas bandas jóvenes estarán lejos de esta hermosa iniciativa?
Los canales locales de televisión exigen que su nombre encabece la autoría de los videos a cambio de un espacio. Aún con esas condiciones la televisora no busca ningún auspicio, mal negocio. Considerando el tiempo y talento invertido desde la pre-producción hasta la post producción estamos hablando de un proyecto que merece la atención de todo el país y que necesita ser financiado para crecer.
Sawá sesiones no ha logrado solamente un formato con identidad propia y difundir montones de bandas en su canal si no que han creado una mística muy interesante entre audiovisuales y músicos cajamarquinos que, además de participar en la producción, ayudan a difundirlo en sus redes sociales. Así Sawá ha llegado a Ayacucho a grabar a Ayapacha R4 logrando videoclips de muy buena factura, de bandas muy talentosas que por su ubicación geográfica se ven limitadas sus posibilidades de difusión a nivel nacional. Poco a poco, con organización y persistencia Sawá sesiones está generando un circuito interesante.
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¿Cuántas bandas más, cuántas iniciativas más se necesitan para que el Estado peruano y los medios de comunicación presten atención a la música que se hace y se consume en el Perú? ¿Cuánto del espectro radioeléctrico beneficia a los trabajadores de la música en nuestro país? El Estado y los medios de comunicación tienen una deuda enorme con el artista peruano que sobrevive con ingenio y creatividad a las condiciones en las que se le obliga a ejercer su trabajo. En muchos casos, se vuelve solo la mirada para el elogio cuando es premiado y las palabras sentidas cuando fallece. Por suerte para todos los peruanos, hay quienes tomaron la iniciativa heróica de generar registro de estas culturas silenciadas.
El domingo pasado mi esposa y yo fuimos a un concierto. Merian, mi cantante peruane favorite (así con “e”) se presentaba en un evento muy cerca a nuestra casa y era una oportunidad que no podíamos dejar pasar.
Llegamos cerca a las 7:30 al Galpón en Pueblo Libre y a los pocos minutos empezó el concierto organizado por el colectivo Diversidades Trans Masculinas – DTM para juntar fondos y armar el Primer encuentro nacional de Transmasculinidades, un evento tan ambicioso como necesario para una comunidad con problemas que la sociedad peruana no entiende, no quiere entender o prefiere no prestar atención.
La chispa inicial la encendió Antony Polisha, bailarinx y performer travesti que marcaba la línea de lo que sería el evento con su presentación. Su presencia tanto dentro como fuera del escenario nos dejaba claro que no estábamos en un evento convencional. Este era un evento donde los roles de género son cuestionados en cada detalle, en cada actuación, en cada canción y nos invitaba a todos a cuestionarnos la manera binaria en la que estamos acostumbrados a ver al mundo
Poco después, en el escenario, también a los pies de una enorme y orgullosa bandera trans se presentaba Tais Evan. Con 17 años, Tais, un chico trans, acompañado de Santiago en la guitarra nos cantaba temas propios y ajenos sobre cómo se ve el mundo desde sus ojos. En el público sus familiares llenos de orgullo tomaban fotos y grababan videos. Era la segunda presentación de la noche y ya estábamos frente a un momento tan conmovedor como importante. Un niño de 17 años había decidido cantarle al mundo que lo veía distinto, que amaba distinto y que se sentía distinto a lo que el mundo esperaba de él y que no aceptaba los roles que este pretendía imponerles. No estaba solo, tenía a su familia de su lado y a nosotros aplaudiendo su talento y valentía. Qué importante es la familia, qué importante es no sentirse solo.
Tais y Santiago Foto: Carlos García
Luego de los aplausos y las felicitaciones que Tais y Santiago merecidamente recibieron, se invitó a Angelina al escenario. Ella, vestida toda de blanco, interpretó “La muerte del cisne”, una obra de ballet clásico que tradicionalmente ha sido interpretada por mujeres cisgénero y que ella, trans, interpretaba como acto de rebeldía. Ella ha elegido esta pieza porque quiere que seamos testigos de la muerte de un ser hermoso. Vemos frente a nosotros los elegantes y dolorosos esfuerzos del cisne por resistir, sin éxito esta vez, a la muerte. “Resistir, compañeras”, a ello invita Angelina, y lo hacía no solo con sus movimientos de ballet sino levantando la voz, reclamando a esta sociedad que las deja morir porque prefiere verlas muertas antes que diversas, antes que cuestionar sus básicas y mezquinas interpretaciones binarias de la vida. “No lo lograrán, no podrán” dijo, y le creemos y estamos con ella.
Angelina interpretanto “La muerte del cisne” Foto: Carlos García
Para ese momento el público, algo menos de 100 personas que habíamos llenado los asientos del local, estaba contento y entusiasmado. Hábilmente, Seb Marallano, compañere trans integrante de DTM que hacía las veces de presentador, nos invitó a un break y a comprar pines, stickers, chelitas o pan con palta, porque muy bonito todo pero no debemos olvidar que es un evento profondos y que el objetivo es traer a 10 compañeres trans de otras ciudades al Primer Encuentro Nacional de Transmasculinidades en Lima.
Evento en el Galpón. Foto: Carlos García
Compré una cerveza y me puse a un costado para observar el momento y las personas que eran parte de este escenario. El mundo del arte binario se me hace entonces insoportablemente aburrido, monótono y sobretodo injusto. ¿Qué mensaje valiente puede tener un hombre cisgénero en el escenario cuando lo comparas con alguien que hace arte en un mundo donde día a día hay que sobrevivir primero? ¿Qué nueva visión del mundo, del amor y del odio, de la vida y de la muerte puede aportar la hegemonía heterosexual impuesta desde hace tantos años? Con ella se nos educa y se nos evalúa desde que nacemos, quien no responde a su estructura y a los roles que se nos asigna, se reprime o se asesina.
Bandera peruana. Foto: Carlos Garcia
Incluso las canciones de siempre toman otro sentido, otro matiz cultural, y se convierten en algo nuevo cuando las interpreta una persona trans. Porque son otra historia, una que no nos hemos permitido conocer. La riqueza de la diversidad está ahí también, en poder mirar al mundo con otros ojos. En un mundo que se condena a la monocromía de lo binario, es un crimen habernos negado tantos colores
Nuevas canciones
Almendra y Marina. Foto: Carlos García
Era el turno de Marina Kapoor y Almendra Pamela. Marina, famosa por su participación en Los Cuatro Finalistas -programa concurso de TV- subió al escenario poco después de que Almendra, modelo y guitarrista profesional, sorprendiera a todos con una versión acústica de Bohemian Rhapsody, el clásico de la banda británica Queen.
Listo el dúo sobre el escenario, Marina cantó una canción de Leo Dan que le recuerda a su abuela, se la dedicó a ella por todo el amor que le dio desde siempre hasta sus últimos días. Reconocí la canción cuando empezó, sonaba también en mi casa cuando yo era un niño. En la voz de Marina era una canción diferente, casi una canción nueva. La canción ya no decía lo que siempre dijo
“Siempre estoy pensando en ella Pensando que hará Siempre estoy rogando que vuelva Mi llanto a calmar”
En esta presentación Marina insistió en recordarnos que las personas trans no viven, sino sobreviven. La violencia transfóbica no solo las arrincona en un par de profesiones -impidiéndoles hacer carrera en lo que les provoque como cualquier ciudadano- si no que las mata y de muchas maneras. No solo es asesino el odio particular de una persona transfóbica, también lo es la transfobia de la sociedad y el Estado que las limita en sus posibilidades de desarrollo, las empobrece y luego les niega la atención médica que les corresponde dejándolas morir.
Nos queda corto hasta el lenguaje para hablar del mundo diametralmente distinto que nos entregan. No es un mundo nuevo, es un mundo que siempre estuvo ahí, aunque invisible entre las sombras como condena. Ese mundo hoy se hace visible y reclama su espacio. El sol saldrá pronto para todes. ¿Por qué habría yo de referirme a elles en binario y hacerlo además en nombre del rey?
Orgullosamente Trans. Foto: Carlos García
“Pero bueno, no nos pongamos densos” repetían varies de les artistes que se presentaron esa noche luego de dar sus manifiestos. Entre aplausos emocionados y combativos se despedían del escenario dejando libre el espacio para la siguiente presentación.
La peruanidad en el arte trans
AlezzAndro es un drag king que se ha hecho ya de un espacio en la movida de las fiestas y del drag limeño. Gana nuestra atención con pasos de baile al ritmo de un mix que va desde Yma Sumac hasta el Tic Tic Tac de la Joven Sensación. Su talento, su gracia y su simpatía nos sacan a todos una sonrisa. Su energía hace aún más alegre la noche. Vestido de negro, se adorna con un manto tejido peruano y pienso: para estar orgullosos de ser peruanos es más importante que reconozcamos la diversidad de nuestros ciudadanes antes que la de nuestra comida. Llegará el día en que a ningún peruano se le nieguen sus derechos y ese día conoceremos de verdad el orgullo.
Había llegado la hora de la presentación que me llevó al Galpón este domingo: Merian.
Conocí a Merian en el evento “Juntos porque la memoria no nos falla” donde acompañada por Ruth Torres en la guitarra nos dejaron a todos con la boca abierta por la potencia de su interpretación, de su mensaje y de su presentación en vivo. No necesitó más recursos que su voz, su cuerpa y las seis cuerdas de Ruth para prenderse de nuestra memoria y nuestros corazones. Merian es cantante trans, “transfeminista en deconstrucción” según su cuenta de instagram y es también activista #orgullosamentemarica como suele decir en sus conciertos
Las presentaciones de Merian son más que música y entretenimiento, son un acto político. No crean que lo político le resta alegría a sus presentaciones, Merian es una persona muy simpática y su show es de los más entretenidos a los que he tenido oportunidad de asistir. Merian logra entretener, emocionar y hacer pensar. “Pensar es altamente femenino / Mañana es tarde y el tiempo apremia” nos dice al interpretar Mujer, tema que escribiese la venezolana Gloria Martin y que hiciese famoso la mexicana Amparo Ochoa. Helen Zamudio en el bajo, Ruth Torres en la guitarra y Laura “Rulos” Vidaurre en la percusión acompañan las melodías de Merian y los cantos al amor y a la libertad.
Una presentación en vivo no debe quedar solo en los ojos y en los oídos, debe quedar en la memoria y en los corazones. Merian nos tenía una sorpresa, Amapola, una canción de amor del ahora cristianísimo Juan Luis Guerra. A mitad de la canción Merian invita a quien quiera cantar que se acerque, se pone a un lado del escenario, la gente se mira y al rato aparecen les valientes. Marina Kapoor rompe el hielo y asume, luego les amigues, las parejas, solos y en mancha salen al frente a cantar.
“Una Amapola me lo dijo ayer Que te voy a ver Que te voy a ver Y un arcoiris me pintó la piel Para amanecer contigo”
Las palmas, las sonrisas, las alegrías. Volteo a ver a les compañeres, veo a todes felices, enmocionades y felices, me contagian de su entusiasmo y su alegría. El tiempo, sin embargo, es siempre tirano y los vecinos son unos quejones cuando hay fiesta los domingos “hay que cuidar el espacio que nos han prestado con tanto cariño”, nos dice Merian antes de despedirse con una última canción.
Una amapola me lo dijo ayer… Foto: Melissa Merino Montoya
El Chilalo y su canto libre
Merian cuenta que “El Chilalo” es un ave que hace su nido de barro, que vive en el norte del Perú, que canta siempre a las mismas horas y que, por eso, son los relojes del campo, que cuando “El Chilalo” está en cautiverio se muere y que de esa ave trata el tema escrito por Chalena Vásquez que interpretará a continuación.
“¡Su canto es un… y que lo sea siempre carajo… canto libre!
Foto: Melissa Merino Montoya
No se si todos ahí fuimos conscientes del momento del que estábamos siendo parte. Yo creo que es el punto de partida para muchas cosas interesantes que transformarán y harán más saludable a nuestro país y ojalá al mundo.
No recuerdo cuándo fue la última vez que sentí eso en un concierto. Salí de ahí con otra energía y con mil preguntas más de las que ya tenía sobre los efectos nocivos del machismo que se nos embute todos los días. Me alegra muchísimo haberme reencontrado con esa fuerza imparable del arte valiente en la noche del domingo pasado.
Terminamos nuestra cerveza, subimos al taxi cansados y felices, somos dos personas distintas las que regresan a casa esta noche. Gracias.
Tomar Control es una banda hardcore femenina que viene apareciendo en varios carteles de conciertos peruanos. Han girado por Chile y Argentina y así han llevado sus temas -feministas, veganos y ‘straight edge’- a espacios donde pocas bandas peruanas han llegado. Sueñan con hacer pronto una gira europea y siendo una banda que se jacta de ser ordenada, activa y disciplinada es muy probable que pronto lo estén cumpliendo.
Nos reunimos un domingo luego de su ensayo y tuvimos esta conversación:
Malena: Mira, en la escena hardcore, siempre ha sido bravazo. En cada show hardcore que hemos participado siempre nos hemos sentido superbienvenidas. Pero llegada la hora de explorar otros escenarios, otras escenas, hemos tenido suerte de encontrar aunque sea un grupo pequeño que escucha hardcore, nos conoce, y se para adelante a poguear las canciones. Y los que no nos conocen o nunca han escuchado hardcore, no están tan acostumbrados al sonido de repente, se quedan, tal vez escuchando. Nunca hemos sufrido bullying en vivo pero si nos ha pasado que mientras tocamos la gente se quede mirando y lo entendemos perfectamente porque es gente que no está acostumbrada al sonido del hardcore. Lo importante es que mientras tengamos a una persona que nos escucha en el show todo está bien porque por lo menos a una persona vamos a llegar.
¿Cuál es el objetivo musical de Tomar Control?
Carmen: Llevar el mensaje del hardcore. En el hardcore encontré algo que no encontré en el punk. Aquí veo feminismo, veo luchas y mensajes. El mensaje es muy importante y que llegue a todos lados. No importa si son 10 o 100 personas lo importante es que llegue. July: La música es una herramienta y eso es algo que muchas bandas olvidan. Algunas incluso empiezan con mensaje y en el camino lo dejan o se olvidan porque importa más tocar en más conciertos o para no chocar con el público al que el mensaje no le pueda gustar. A la banda nos importa mucho el mensaje, divertirnos y llegar a más lugares.
¿Cuáles son las luchas de Tomar Control?
Malena:Hay diferentes luchas, todas somos distintas, hay de todo. Carmen: En nuestra banda hay diferentes mensajes. Algunas somos ‘straight edge’, algunas somos veganas y todas respetamos las luchas de todas. Dahlia: Yo ya no soy ‘straight’. Pero lo fui cuando conocí el hardcore. Me gustó encontrarme con una escena que tenía tanto que decirle a los jóvenes. Llevar ese mensaje contestatario, antisistema, y sin autodestrucción me gustó. Ser ‘straigth’ es vivir sobrio y sin drogas. July: Yo no era feminista; Malena sí y Luchita -la anterior baterista de la banda- era recontra feminista. Pero llega un momento en que el feminismo lo tienes en tu cara y empecé a averiguar y educarme y me di cuenta que si era necesario hablarlo y asumirlo. Me hice feminista en el 2017.
¿Qué significa ser feminista?
Malena: Hay un momento en la vida de casi todas las chicas que ven tantas parodias, tantas burlas, tantos memes en internet que les da miedo decir que son feministas. Creen que las feministas odian a los hombres, que quieren que se mueran mi papá y mi hermano (risas). Cuando ves tanto odio a un movimiento que no conoces tal vez te retraes. Tuve la suerte de encontrarme con amigas que me hicieron ver que el feminismo es una herramienta necesaria tanto para chicas y chicos para tumbar al patriarcado. Tomé el feminismo, lo abracé, y ahora amo el movimiento, amo a todas las chicas que se consideran feministas y a las que no, las entiendo y estoy segura que si todos investigamos y leemos el mundo sería mejor. Hay que anotar que en la escena no solo hay mujeres haciendo música: hay mujeres en el público, en el sonido, haciendo fanzines, hay mujeres en todas partes. Hay una minoría de mujeres haciendo música y haciendo de todo en la escena: todas inspiran a que más mujeres quieran hacer cosas.
¿Sienten que su discurso ofende?
July: Cuando hablamos de feminismo hay gente que se siente atacada sobretodo algunos hombres. Piensan que tenemos algo contra ellos, que odiamos a los hombres o lo toman personal. Carmen: Sí, hay gente que lo toma personal, empieza la controversia, salen los memes, empiezan a trollear en redes. (Risas) July: Sí pero no nos afecta.
¿Recuerdan algún concierto con especial cariño?
Malena: Cuando tocamos en las “Noches de Lima”, un evento de la Municipalidad en la plaza San Martin con miles de personas en el público nos solidarizamos con las trabajadoras de limpieza que estaban protestando. Aprovechamos el espacio para decir eso y luego para hablar de los feminicidios, incluso tocamos con nuestra pañoleta verde porque justo era el pañuelazo en Argentina por la legalización del aborto que es un tema super sensible, super fuerte. Pero teníamos que aprovechar ese momento para decirlo. Entonces ya nos imaginábamos que nos iban a pifear, a gritar asesinas aborteras, pero ya, qué importa, vamos a decirlo. Pero la gente lo recibió nuestra presentación de manera positiva. Hubo gente que seguro no le gustó, pero la mayoría de gente aplaudió, se sumó, las chicas que estaban atrás se pasaron para adelante. Fue hermoso. Si pues teníamos miedo pero teníamos que decirlo. Carmen: Cuando bajamos del escenario unas señoras se nos acercaron a decirnos que les gustó mucho. Igual en un concierto en una fundación una señora que trabajaba ahí nos pidió ir al baño para poder tomarnos una foto porque le gustó nuestra presentación y desde ahí siempre nos escribe.
Dahlia: Yo empecé en la escena punk, yendo a conciertos. Luego pasé por la escena metal y al final llegué a la escena hardcore. Me gustó mucho que sean gente solidaria, no te dejan, te ayudan. A diferencia de otras escenas donde hasta parece que disfrutaran maltratarte. July: En la escena rockera aún falta decir algo. Está bien pasarla bien y tocar. Son pocas las bandas que hablan sobre política, violencia de género, no hay eso en la mayoría de la escena rockera. Cosas que si vemos en la escena más underground o punk. Malena: La música es fuente de entretenimiento. Pero al mismo tiempo es también una oportunidad de decir algo. Somos poquísimas las personas que podemos pararnos en un escenario y decir algo. Si tú te vas a parar en un escenario y lo único que quieres es entretener a la gente y bailar, todo está bien, perfecto, pero si pudiesen darse la oportunidad de tomar aunque sea solo una de las canciones de su setlist para decir algo que todo el país necesita, sería genial. Somos un país en crisis política, crisis de feminicidios, te puedes parar en el escenario y decir algo de lo que está pasando. Carmen: Ahora cuando voy a conciertos veo gente nueva y ya no hay tanto mensaje político. Hay puro ego. Personas en redes peleando por quién es más vieja escuela, nueva escuela, los memes, quién fue más, quién fue menos, quién ganó a quién, por qué abres tal show, por qué compartes escenario con esa banda que no lo merece. Cosas así. Dahlia: Es que ahora hay redes sociales pues. Antes nadie se metía contigo, nadie te decía nada, eras libre, no hacían bullying. Se han olvidado de los mensajes que una banda debe tener.
¿Le han hecho bullying en redes sociales?
July: Sí pero casos aislados. Malena: Son muy pocos. Antes reaccionamos, con el tiempo ya aprendimos que es mejor no responder. July: Lo que hacemos es concentrarnos en la gente que nos apoya, que tiene comentarios positivos.
¿Para ser integrante de Tomar Control hay códigos estrictos?
Todas: Uuuuuuf…. debates, peleas, todo. (Risas) July: Tenemos debates y discusiones sobre ser ‘straight edge’ que se ponen intensas pero no son peleas. Cuando vino Dahlia solamente le explicamos que la banda tenía diferentes temas que tratar, veganismo, feminismo, y varios más. Lo importante es que todas estén de acuerdo con lo que dice la banda. Carmen: Que nos llevemos bien y bueno, que haya química.
Ficha técnica: Tomar Control Malena Malloy – Guitarra July Salazar – Voz Dahlia Odd – Batería Carmen Rosa – Bajo
Los discos de Tomar Control son: Lo que llevamos dentro (2015) Nunca más callar (2019)
